Projet porté par Cheikh Sow, Africano Projeto est constitué de musiciens installés à Bordeaux, dont les racines plongent en Afrique et dans les Caraïbes. Musiciens professionnels aguerris aux histoires riches, ces esprits heureux interprètent un répertoire des années 60 à 80 avec des arrangements originaux inédits. Leurs multiples improvisations sont une véritable porte ouverte vers le voyage, géographique, comme artistique et culturel. Du Cameroun à Cuba en passant par le Congo ou la Guadeloupe, l’acoustique de leur son offre une écoute dynamique et dansante à tous les publics. Leurs créations ne sont jamais les mêmes d’un spectacle à l’autre. Une musique spontanée, un univers festif, une expérience originale et chaleureuse, à découvrir.

Ariane Pawin est conteuse et comédienne. Elle se forme au jeu à l’ENSATT et à la Comédie Française, puis au conte auprès, entre autres, d’Abbi Patrix et Muriel Bloch.

Simplement par sa parole, sa présence, ses silences et son implication corporelle, elle plonge le spectateur au cœur des sensations de ses personnages. Elle crée une parole émotionnelle qui touche à l’intime, en gardant toujours la gourmandise des mots et la jubilation des images. Elle cherche la langue propre à chaque histoire : elle adore basculer brusquement d’une évocation poétique tout en délicatesse à la truculence d’une langue loufoque pleine d’humour.

Crédit photo : Alexis Naline

Bruno Lahontâa est plasticien, scénographe et performer. En collaboration avec Laurence de la Fuente, il a publié Les performances éthologiques de Font aux éditions de l’Attente, et collaboré avec elle pour la revue Espace(s) et la revue numérique du collectif  D-Fictions.
Depuis 2015, avec la cie Pension de Famille, il a participé en tant que dessinateur au projet chambres à dessins/chambres d’écriture, ainsi qu’à Espaces hospitaliers, en collaboration avec le CHU de Bordeaux.
Il a également signé la scénographie de nombreux spectacles de Pension de Famille.

Depuis plus de vingt ans, la Cie BOUGRELAS affine son regard tendre et amusé sur le monde en réalisant diverses formes de théâtre.
Au fil des ans, la démarche artistique de la compagnie s’est affirmée dans la volonté de proposer des spectacles accessibles à tous, parfois en salle et souvent en s’appropriant l’espace public, toujours avec la volonté de créer une relation de proximité avec le public.

Liste du répertoire de la Cie Bougrelas :

2016 : Ils étaient plusieurs fois, théâtre de rue
2015 : L’atelier de Jeanne, entresort familial
2012 : Encore 3 minutes, jeune public
2011 : Les Cantonniers, Théâtre de rue
2008 : Grand Restaurant
2007 : Fillharmonic Von Strasse, théâtre de rue
2006 : À moi la lune, jeune public
2004 : F.F.T.S., Fédération française de théâtre sportif, théâtre de rue
2003 : Un riche trois pauvres de Louis Calaferte
1999 : Rêves et paillettes, théâtre de rue et La farce de Maître Pathelin, jeune public
1998 : L’a aire de la rue de Lourcine d’Eugène Labiche
1997 : De page en pliages, jeune public
1996 : Qui joue à Macbett ?
1995 : Histoires ubuesques

Couple d’artistes fusionnel, Yvan Clédat et Coco Petitpierre se sont rencontrés en 1986. Sculpteurs, performers, metteurs en scène, ils interrogent tour à tour l’espace d’exposition et celui de la scène au travers d’une œuvre protéiforme et amusée, dans laquelle les corps des deux artistes sont régulièrement mis en jeu. Leurs œuvres sont indifféremment présentées dans des centres d’arts, des musées, des festivals ou des théâtres, en France et à l’étranger. En parallèle de leur activité artistique commune ils collaborent ensemble ou séparément, avec de nombreux metteurs en scène et chorégraphes.

L’art du récit est au coeur de la démarche de la compagnie Caracol. La conception des spectacles est le fruit de la collaboration entre Francine Vidal et des artistes venus de différents horizons (arts plastiques, musique, chant, architecture, danse). Puisant aux sources de la poésie, de la littérature orale, de collectages contemporains, la compagnie crée depuis une dizaine d’années des spectacles aux formats originaux, où la relation avec le public est déterminante.

Francine Vidal

Élevée dans une culture cosmopolite du voyage et de l’exil, Francine Vidal s’est très tôt intéressée au mouvement et à la seule chose que l’on peut toujours emporter avec soi, partout où l’on va, la parole.

Fascinée par l’usage des mots, du babil de l’enfant au double langage, du cri au chant, mais aussi de la langue au geste, elle explore la parole sous toutes ces formes, et la vertu extravagante des mots, celle de pouvoir façonner des mondes.

Dès 1995, et ses racontées dans le kiosque à musique du Parc des Buttes-Chaumont à Paris, elle donne à voir et à entendre des histoires d’antan, des extraits d’épopée, des affabulations, de la poésie, en compagnie d’artistes de cirque, plasticiens, musiciens ou danseurs.

Sa démarche se base aussi sur un partage ludique avec le public. Tout en développant son travail autour de l’acteur -conteur, elle poursuit son travail d’écriture (notamment publié aux Editions Didier Jeunesse : La grenouille à grande bouche, la souris qui cherchait un mari, la Tour de Babel).

MARIE LAMACHÈRE
Metteuse en scène, dramaturge, directrice artistique des // Interstices

Diplômée des Universités Paris X – Nanterre et Paul Valéry à Montpellier (DESS Dramaturgie et Mise en scène, et Maîtrise de Lettres Modernes), elle s’est intéressée aux passerelles entre la danse et le théâtre.

Elle a poursuivi ses recherches sur le jeu d’acteur en suivant des stages, avec notamment Jerzy Klesyk, Mark Tompkins, Alain Buffard, Ko Murobushi, Carlotta Ikeda, MM. Umewaka (Nô)… Elle a elle-même dirigé plusieurs stages et ateliers de jeu et dramaturgie en direction de professionnels, d’étudiants, ou d’acteurs et danseurs en formation au Conservatoire de Montpellier, au CCN de Rillieux-la-Pape. Elle intervient aussi parfois dans les collèges et lycées de la Région Languedoc-Roussillon.

De 1998 à 2004, elle a travaillé comme assistante à la mise en scène et actrice sur cinq spectacles de l’auteur et metteur en scène Alain Béhar (Monochrome(s), Par un Bout, Bord et Bout, Tangente, Sérénité des impasses). De 2007 à 2009, elle travaille comme actrice et dramaturge avec Chantal Morel pour l’adaptation des Possédés d’après le roman de Dostoïevski, ainsi qu’avec Michaël Hallouin et le Théâtre de la Valse (Richard II de Shakespeare, Poursuite du Vent). Elle jouait en 2011 dans On ne sait comment de Pirandello, mis en scène par Marie-José Malis.

Avec // Interstices, qu’elle dirige, elle a réalisé sa première mise en scène en 2003 : Paysage sous surveillance de Heiner Müller. Elle a travaillé pendant quatre ans, en collaboration avec le poète et metteur en scène canadien Royds Fuentes-Imbert, pour la réalisation des Faux Bals (Chant de la tête arrachée / Barbe-Bleue, l’opéra de l’homme amer). En 2008, elle a présenté une adaptation de La douce de Dostoïevski, sous le titre Bal perdu, une danse macabre. En 2010 et 2011, en étroite collaboration avec le collège d’acteurs du Théâtre de la Valse, elle a consacré deux ans à la réalisation de plusieurs formes adaptées des fragments de Woyzeck de Georg Büchner. En 2013-14, elle met en scène et en voix les 7 textes de la traversée Beckett (En attendant Godot, 4 soli des Têtes Mortes, Quoi où et Fragment de théâtre II). En 2016, elle met en scène Sainte Jeanne des abattoirs de Bertolt Brecht.

Cie Interstices
Interstices est une compagnie de théâtre basée à Montpellier. Issue du théâtre universitaire, elle devient professionnelle en 2003 avec une première mise en scène de Paysage sous surveillance de Heiner Müller au Théâtre du Hangar. La direction artistique est confiée à Marie Lamachère qui creuse une poïétique et une dramaturgie d’acteur qui doivent autant à la danse, à la littérature, à la philosophie, qu’au théâtre. Par ce travail, le théâtre devient le lieu d’une suspension, d’une interrogation de l’histoire.En 2004, une collaboration artistique s’engage avec l’auteur et metteur en scène canadien Royds Fuentes- Imbert qui cossigne avec Marie Lamachère trois créations : Variations sur figures d’ange (d’après les Thèses sur le concept d’histoire de Walter Benjamin) et le diptyque des Faux Bals.

En 2005, Marie Lamachère et l’acteur-danseur Michaël Hallouin commencent une aventure artistique commune qui dure jusqu’aujourd’hui. Elle est inaugurée par deux années de chantiers et performances autour du poème de Rimbaud : Une saison en enfer.

En 2008, Marie Lamachère met en scène, sous le titre Bal perdu, une adaptation de La Douce de Dostoïevski.

En 2009, la compagnie //Interstices fait ce constat que les formes multiples et «rhizomatiques» de ses réalisations invitent à une réflexion sur les modes de production des œuvres. Portées par cette réflexion, //Interstices et le Théâtre de la Valse (collège d’acteurs basé à Orléans et dirigé par Michaël Hallouin) s’associent pour expérimenter de nouvelles modalités de productions et réfléchir, tant en termes artistiques qu’en termes politiques et économiques, sur les relations qui se nouent au cœur des productions artistiques. Un contrat de coréalisation lie les deux compagnies comme producteurs des différentes pièces nées de leur coopération. Leur première réalisation est Woyzeck de Georg Büchner. Créée en novembre 2010, au Théâtre Le Périscope à Nîmes, la pièce tourne pendant trois ans à Tours, Mende, Arles, Chambéry, Pau…

Les artistes associés – Michaël Hallouin, Marie Lamachère, Laurélie Riffault, Antoine Sterne, Damien Valero – décident de fonctionner comme une troupe « permanente » et expérimentent des contextes de travail en résidences in situ dans des collèges et lycées.

En 2013 et 2014, la compagnie crée sept pièces et textes de Samuel Beckett :
– En attendant Godot en mars 2013, au Théâtre des 13 vents, CDN de Montpellier,
– 4 soli à partir du recueil Têtes-mortes en novembre 2013, au Théâtre La Vignette, à Montpellier – 2 pièces courtes Quoi où et Fragment de théâtre 2, en juin 2014, au Forum du Blanc-Mesnil.

En 2014, la compagnie // Interstices est associée pour trois ans au Forum, scène conventionnée du Blanc-Mesnil. En décembre 2014, La résidence est interrompue suite au changement de municipalité qui arrête brutalement l’activité du Forum.

En 2016, // Interstices crée Sainte Jeanne des abattoirs de Bertolt Brecht (création le 8 mars 2016 à la MC2 Grenoble).

En 2016-17-18, la compagnie est associée aux Scènes Croisées de Lozère, scène conventionnée et en 2016-17-18-19 au Théâtre du Beauvaisis, scène nationale de l’Oise en préfiguration. Elle fait partie de l’Ensemble Artistique du Centre Dramatique National de Montpellier en 2018-19-20.

En 2016, la compagnie, inspirée par Charles Fourier et accompagnée par l’autrice Barbara Métais- Chastanier, ouvre un cycle de recherche et de création portant sur la question des utopies. Nous qui habitons vos ruines, premier volet consacré aux utopies rurales, est créé en novembre 2017 dans une forme itinérante, adaptée pour les plateaux de théâtre, Un second volet de création, dédié aux utopies urbaines verra le jour en 2019.

La compagnie Du Chien Dans les Dents a été créée en  janvier 2012 à Bordeaux après une rencontre dans le cadre du master professionnel de mise en scène et scénographie. Ils sont 3 (Bergamote Claus, Thomas Groulade et Anaïs Virlouvet) à porter le projet de la compagnie dans ses dimensions artistiques et non artistiques. Depuis 2015, Elsa Malye Nora les accompagne en tant que chargée de production/diffusion. Ils affirment leur démarche comme une recherche autour du collectif qu’ils vont interroger à la fois dans la manière de créer leurs spectacles, dans des laboratoires de recherche théâtrale avec des amateurs et dans la gestion des projets de la Compagnie.

La compagnie est née de la nécessité de porter des projets singuliers, en marge des codes majoritaires. Ils sont auteurs de leurs projets dont l’écriture est toujours soumise au collectif et à l’épreuve du plateau. Leur écriture se nourrit toujours de l’intime et procède plus de l’intuition et du sensible que du concept ou du discours. Ils jouent d’un trouble entre les genres : dramatique/auto-dérision, présentation/représentation, témoignage/mystification, avec le désir d’être en adresse directe avec le public. Ils défendent des propositions surréalistes dont la logique, plus poétique que rationnelle, peut échapper au profit d’un mystère. L’énergie que produit le jeu est au centre du travail de la compagnie. Le jeu n’est pas seulement ludique, il est du côté du décalage critique, de la transformation, c’est un mode de relation. C’est à travers l’ambiguïté du jeu qu’ils cherchent à tisser une relation vivante avec les spectateurs.

Depuis 2012, ils proposent des laboratoires de recherche et de création à des adultes amateurs. Un espace de rencontre pour partir de ce que l’on est, de ce que l’on a d’intime, pour se mettre en jeu et s’autoriser à chercher à s’embarquer ailleurs du côté de l’imaginaire. L’occasion pour eux de continuer à réinventer/questionner/nourrir notre pratique du théâtre.

Depuis 2016, la compagnie est soutenue par le département de la gironde. Ils commencent l’année 2017 avec un nouveau partenaire, la Gare Mondiale/Melkior Théâtre. Basée sur une rencontre artistique à l’occasion de la création d’État Sauvage, ce compagnonnage répond à une envie commune, celle de travailler ensemble. Il s’agit de continuer à interroger leurs projets respectifs mais aussi de les faire grandir. Une histoire à construire au fur et à mesure des années à venir…

«Petite par la taille, grande par le talent. Florence Kouadio Affoué dite «Flopy» est une conteuse de charme : énergisante, captivante et envoutante, l’écouter est un plaisir, la voir sur scène est un régal. Flopy voyage dans les imaginaires du temps et de l’espace. Sa belle diction donne aux mots une intense musicalité qui berce les maux de son auditoire. Flopy est une énergie en constant mouvement ! » Taxi Conteur

Élève du célèbre Taxi Conteur, le travail de Flopy est nourri du riche patrimoine oral traditionnel qui devient un atout pour aborder avec sagesse les fléaux d’aujourd’hui. ll s’agit d’un recours aux sources pour développer une esthétique orale contemporaine.

Performeur et plasticien, Jonathan Macias a obtenu le DNSEP de l’école des Beaux-Arts de Bordeaux en 2007. En 2004 il fonde avec Emmanuel Commenges le collectif Monts et Merveilles. Au croisement de la performance, des arts visuels et du spectacle vivant, Monts et Merveilles interroge les usages et les codes de la société du spectacle et de consommation. Le collectif mène une réflexion en actes sur la place de chacun dans la cité, à commencer par celle de l’artiste.

En parallèle, depuis 2011, Jonathan Macias intervient en tant que scénographe invité sur des projets In SITU : comment habiter un espace à définir ? Il anime aussi des workshops  autour du corps dans l’espace public, à destination d’étudiants de l’université Montaigne, de classes de primaire et de collégiens. Quels enjeux pour la relation, la rencontre, la création ?

Créé en 2013 à l’initiative de quelques musiciens et chanteurs bordelais amoureux de la musique algérienne, le groupe se compose de 7 musiciens, 6 percussionnistes chanteurs et un trompettiste, jouant un style de musique de l’ouest algérien, qui trouve son inspiration à l’origine dans les chants du désert. Il mélange des instruments africains (Karkabou, Tbal), des instruments maghrebins et arabes (derbouka, guallal, bendir), et des instruments venus de l’Occident (trompette). Mélange de plusieurs rythmes venus de plusieurs régions, Karkabou associe chants traditionnels et paroles de fêtes.

La ktha est une compagnie de théâtre.

Ses spectacles se jouent dans des dispositifs placés dans la ville (dans des containers, des camions en mouvement, sur des toits, dans des souterrains, des parkings, sur la pelouse de stades, sur des balcons, des ronds-points, sous le périphérique, dans les couloirs du métro…).

Elle développe une forme particulière de théâtre dans laquelle les acteurs s’adressent aux spectateurs, en les regardant dans les yeux, directement, sans détour.

Depuis quelques années, elle explore aussi la ville à travers des projets collectifs, laboratoires de recherche, qui touchent à l’urbanisme, aux arts plastiques et performatifs.

Porter un regard impliqué, militant et curieux sur le monde qui nous entoure et essayer de le partager, de l’affûter par l’échange.

Chorégraphe et danseuse, Laure Terrier n’en finit pas de malaxer les relations du corps à l’espace public au travers des créations portées par JEANNE SIMONE. L’usage des lieux comme fil conducteur, elle invente patiemment un rapport au spectacle, à la danse, qui témoignerait de nos rapports singuliers au monde qui nous entoure et nous façonne, pour lui offrir d’autres possibles.

Elle collabore régulièrement avec d’autres compagnies, en tant que soutien à l’écriture corporelle, telles que la Cie de Sirventes, Le Petit Théâtre de pain, La grosse situation, Cie Action d’espace – François Rascalou, Uz et coutumes…

Elle s’est beaucoup nourrie des approches de Julyen Hamilton, Patricia Kuypers, G. Hoffman Soto, Lulla Chourlin tout en vadrouillant en tant qu’interprète au côté des chorégraphes Nathalie Pernette, Laure Bonicel, Odile Duboc. Elle s’investit aussi avec plaisir dans les projets d’Opéra Pagaï, de l’Ensemble Un…

Cette année dans Chahuts :

Laurence de la Fuente est autrice, dramaturge et metteure en scène. Elle vit et travaille où elle peut.

Elle a adapté et mis en scène pour le plateau des textes d’Alban Lefranc, Laurent Mauvignier, Antonio Lobo Antunes, ainsi que ses propres textes.

Elle a publié Performances éthologiques de Font aux éditions de l’Attente en collaboration avec l’artiste plasticien Bruno Lahontâa, et des textes dans plusieurs revues. Elle vient de terminer l’écriture d’Espaces hospitaliers  à La marelle, Marseille, qui sera édité sous format numérique, et vient de publier, en collaboration avec Françoise Valéry, Echanges Giratoires, aux éditions Nakunoeil.

Une création en duo

Faire entendre la plasticité de la parole, improvisée ou à partir de textes, c‘est un travail que mène Anne- Laure Pigache depuis 2011. Tout d’abord en solo avec Dyslexie triturations vocales où elle détourne vocalement des articles trouvés dans des journaux, des magazines. Puis avec Les Pourparlers où elle invite 5 performeuses issues du champ de la danse et un sonorisateur à manipuler le langage, la parole, afin de mener un travail de choeur. Cette création a reçu le soutien de la DRAC Rhône-alpes et de la Région Rhône- Alpes. Elle a été créée au théâtre de poche à Grenoble dans le cadre du festival des Détours de Babel, co- producteur du projet.

Pour Parlophonie, elle continue sa recherche autour des enjeux de l’oralité et de la parole improvisée. Faire entendre le langage comme un phénomène sonore et musical. Proposer une approche concrète du langage. Un travail de préparation via l’exploration d’outil hypnotique avec Catherine Contour – Chorégraphe- accompagne la création.

Anne-Julie Rollet, musicienne, électro-acousticienne traite en direct le flux de paroles et le projette via un émetteur radio sur des postes et des hauts parleurs aux couleurs sonores multiples. Il s’agit d’explorer, de transformer et de jouer avec cette matière voix pour en révéler une musicalité. L’improvisation est au cœur de la performance qui se nourrit et se construit en lien avec une situation et un espace. Ces matières de fabrication musicale sont captées et issues de l’instant provocant ainsi une écoute sensible au sein d’un dispositif électroacoustique qui combine des instruments numériques et analogiques.

Mari Lanera, aka Mariele Baraziol, est née le 29 août 1981 à Trévise, en Italie.

Dès l’enfance elle est fascinée par le monde du théâtre où son père travaille comme électricien. Elle a accès, toute petite, à la scène, aux concerts classiques, aux spectacles et à l’Opéra, et en même temps elle se balade  dans les couloirs et dans les ateliers, où elle s’imprègne des couleurs, des formes, des odeurs et des lumières du théâtre. Le monde du spectacle devient le milieu dans lequel elle se projette. La musique devient une nécessité.Elle commence très jeune à étudier le violon, ensuite le piano et la guitare. Adolescente, elle découvre le fantastique monde du rock, de la pop, du grunge. Elle s’en remettra jamais. Premier groupe à la basse à 16 ans, elle enchaine projets et collaborations, d’abord en Italie, ensuite en France, où elle est installée à Bordeaux depuis 2004, ayant volontairement raté sa carrière rêvée de nez à Versailles.De la cold wave de LDLF à l’éléctro sorcière de PSCH PSHIT (Feint Records), du rock psyché de Zero Branco (Catulle&Ramon Records) à l’électro cumbia de Las Felindras, elle plonge dans le répertoire italien avec le concert dessiné L’Avventura, avec le guitariste Sol Hess et la dessinatrice Laureline Mattiussi.

Elle continue son voyage en Italie avec son nouveau projet solo TARANTA LANERA, tarantelle électro où elle s’inspire et s’imprègne des musiques traditionnelles du Sud Italie pour récréer une transe électro en fusion avec les sonorités hypnotiques des tabla indien. Entre ses concerts en France, Belgique et Suisse, elle présente son projet le 17 mai au Festival MétaMusique de la fondation Martel à Cognac et le 17 juin au Festival Chahuts à Bordeaux. La sortie de son premier EP avec TARANTA LANERA est prévu en octobre 2019 chez Vlad Productions. Pour écouter: tarantata.bandcamp.com

Elle retient un vif et doux souvenir de sa collaboration comme actrice dans les spectacle de théâtre « Les Mauviettes » de la Compagnie des Limbes et « Suite numéro 2 » de l’Encyclopédie de la Parole.Actuellement elle est danseuse/performeuse dans le spectacle jeune public « Pollen et Plancton » de et avec Anne Careil et la compagnie Andrea Cavale.

Elle est artiste associée de la Compagnie WOLF où elle est musicienne dans le spectacle « Cabane Eno » de et avec la chorégraphe et danseuse Sophie Dalès, en création à Les Bazis (Toulouse) en avril 2019 et au CDCN La Manufacture à Bordeaux en juillet 2019. Une autre résidence de création est prévue en novembre 2019 pour la musique du spectacle « La personne qui te harr » de et avec le metteur en scène et acteur Philippe Rousseau, en co-production musicale avec le guitariste Matt Bohers. Depuis un an elle mène un projet secret qui s’appelle Cador avec sa muse Albane D’Argence qu’elle adore. Bientôt un concert dans une cabane perchée sur un vieil arbre ou dans un submarin caché dans le port d’Arcachon. Elle a commencé récemment une collaboration musicale avec Jean Emmanuel Belot pour un concert de chevaux au galop, et aussi avec l’artiste Gonzalo Borondo pour une impro avec l’ancien orgue desaccordé du Temple des Chartrons le 19 et 21 juin 2019.En novembre 2017 elle a crée sa première performance pour un spectateur, Catch Cupidon, au  Festival Déprogrammation à la Manufacture Atlantique à Bordeaux. Cabinet d’hypnose aux cabinets des grands festivals, consultation personnalisé, moment d’intimité et de rêve avec LE spectateur sur son présent, passé et futur, elle propose à nouveau son projet au Festival Chahuts à Bordeaux cette année.

Massimo Furlan a une formation de plasticien, il a pratiqué pendant plusieurs années la peinture et
le dessin et a exposé dans le circuit des galeries d’art contemporain et des musées. Il a également été scénographe pour plusieurs metteurs en scènes et chorégraphes avant de devenir metteur en scène et de créer sa compagnie en 2003, Numero23Prod. Son travail scénique développe un langage visuel et performatif lié à la peinture, à l’installation, au cinéma, et à la vidéo.

La démarche de Furlan s’articule d’une part autour de la composition d’images en mouvements, qui prennent place sur des scènes théâtrales et d’autre part autour de formes plus performatives, dans des espaces publics ou non dévolus au théâtre. Les images des différentes créations scéniques de Massimo Furlan sont traversées et habitées par des acteurs qui se révèlent avant tout par leurs gestes.

Contrairement à la scène dramatique et au processus de la construction du rôle, ici ce sont des figures sans psychologie et la plupart du temps muettes. La parole, si elle intervient, est la plupart du temps portée non par des acteurs mais par des anthropologues, historiens ou philosophes, qui transmettent, dans un cadre donné et souvent sous une identité de fiction, des perspectives théoriques: ainsi Bastien Gallet, Marc Augé et Serge Margel dans 1973, sous des identités variées liées à l’édition de l’Eurovision de la chanson, ou Pierre-Olivier Dittmar sous les traits de la poupée ventriloque dans Un Jour. Une grande part de la recherche de Massimo Furlan repose sur le développement d’un travail performatif. Des performances qui mettent en jeu la question du corps, de l’action, du temps, de la parol. Ces actions prennent souvent place dans des lieux non dévolus au théâtre, dans des espaces publics – parc, stade de football, salle de sport, aéroport, tunnel, gare.

Au coeur de ses performances, la dimension du faire, de la littéralité de l’action et de la puissance de l’événement sont centrales. L’artiste engage une démarche, un processus qui va de l’élaboration, de l’énonciation de l’idée à son effectuation. Ce qui donne à sa recherche une dimension à la fois conceptuelle et concrète. Le travail de mise en oeuvre d’une action simple est en réalité colossal, et c’est ce travail là qui implique le plus de temps, d’énergie, de combat: par exemple, obtenir de Parc des Princes à Paris pour jouer la performance Numéro 10, gagner la confiance du directeur de l’aéroport de Genève pour courir sur la piste de décollage, recevoir l’autorisation de faire fermer le tunnel du St Bernard, le temps de le traverser au pas de course. Les performances engagent une
forte dimension d’expérimentation, elles laissent place à l’imprévisible, l’accident. Elles mettent en jeu la question du temps et de la durée: certaines sont extrêmement brèves (quelques minutes), d’autres durent plusieurs heures. Elles proposent avant tout du temps à vivre.

Artiste protéiforme, il s’est engagé activement dans le projet Jeanne Simone depuis la création Le goudron n’est pas meuble en 2007. Partenaire privilégié des réflexions de la compagnie, spécifiquement en ce qui concerne notre rapport à l’espace sonore et notre approche de la quotidienneté, on le retrouve aussi dans Mademoiselle (2010). Il est interprète et assistant de Laure Terrier pour Nous sommes (2015). Enfin, il est artiste invitée par la compagnie pour Fin d’interdiction de stationner, résidence de recherche et d’infusion réalisée entre 2018 et 2020 à l’Usine, Cnarep de Tournefeuille Toulouse Métropole.
Son univers musical a plusieurs facettes, qui se nourrissent l’une l’autre. Il passe en 2004 un DEM piano jazz, tout en arrangeant et écrivant des partitions pour diverses formations depuis 1995. Mais c’est en tant que tromboniste qu’il joue et compose, actuellement au sein de l’Orchestre tout puissant Marcel Duchamp, auparavant pour la fanfare rock les Arcandiers, le Grotorkestre, l’Arfi ou avec la Tribu Hérisson.

Il crée en 2002 une reprise décalée de la Rhapsody in Blue de Gershwin qu’il arrange pour 11 musiciens sous le nom de La Baskour. Actuellement il est membre du Grand Bal des Cousins.
Engagé dans les réseaux des musiques improvisées et expérimentales dès 2003, il joue en complicité avec des musiciens tels qu’Olivier Toulemonde, Christine Sehnaoui, Michel Doneda, Axel Dörner, Phil Julian, Luca Venitucci, Paul Vogel ou Mazen Kerbaj et se retrouve invité régulier de festivals nationaux et internationaux comme Musiques Innovatrices à St- Etienne, I and E festival, Irtijal à Beyrouth, Densités à Fresnes, Humanoise Congress à Wiesbaden… On a pu l’entendre sur France Musique dans l’émission A l’Improviste.
Il collabore plus ponctuellement avec le théâtre dans Carmen (Cie Artem), Woyzeck (Cie Scènes) ou Bêtes de Scènes (Ensemble Justiniana).
Il crée l’association MICRO en 2004, avec laquelle il travaille sur de nombreux projets (diffusion, pédagogie et création) dans le Roannais sur les pratiques dites contemporaines. Il questionne aussi depuis 2008 sa pratique du son en rapport à des environnements sonores singuliers. L’écoute devient peu à peu un vrai moteur de création dans ses derniers travaux. Dans cet esprit, il collabore de façon régulière avec la Cie Oui Dire (Périgueux) et a conçu sa dernière création personnelle, le solo J’écoute donc Je Suis, (2013) comme une lecture spectaculée de carnets d’écoute quotidienne.
L’approche physique de l’espace public développée au sein de Jeanne Simone l’a aussi naturellement rapproché de Pierre Pilate, Cie 1 Watt, avec lequel il collabore depuis 2013.
Il prépare pour 2020 son premier solo pour l’espace public, L’Air de rien, porté par la Jeanne Simone.

Mathieu Simonet est avocat et écrivain.

 Depuis plus de 15 ans, il met en place des dispositifs créatifs dont il s’inspire dans ses romans.

 Il a par exemple demandé à des enfants de transformer ses journaux intimes en œuvres d’art, proposé à 1000 patients de 37 hôpitaux de participer à une « autobiographie collective », invité des volontaires à tenir la main à un inconnu pendant l’exposition Intense proximité au Palais de Tokyo.

 Il est l’auteur de trois romans publiés au Seuil et d‘une enquête sur un étudiant disparu en Amazonie.

 De 2006 à 2009, il a animé l’émission de radio Le 6e sens sur VIVRE FM (chaque semaine, il invitait un artiste qui apportait une photographie à partir de laquelle un comédien faisait une improvisation radiophonique).

 En 2013, il a coordonné le dossier sur l’écriture de soi du Magazine littéraire et a animé le grand atelier d’écriture organisé pour les 50 ans de France Culture au Palais de Tokyo.

 De 2014 à 2016, il a été membre de la commission plénière de l’aide au financement avant réalisation des films de court-métrage du CNC.

 Vice-président aux affaires juridiques de la Société des gens de lettres (SGDL), il anime un atelier d’écriture à l’Université du Mans.

 Mathieu est également président de l’association Ville en herbes (qui crée du lien social par le jardinage) et est trésorier de l’association Droit pluriel (qui agit pour l’accessibilité de la justice pour tous, notamment en faveur des personnes handicapées).

 Depuis 2016, il propose avec Marine de Royer (réalisatrice et ancienne directrice juridique social de France Télévisions) des dispositifs créatifs en entreprise, pour accompagner le changement, favoriser l’innovation et renforcer le lien social.

Collectif transartistique

Pourquoi un collectif d’artistes à Bordeaux ?

Pour faire penser et se faire penser, pour faire jouer et se faire jouer, pour faire découvrir et se découvrir, pour imaginer, inventer, rencontrer et créer, en dialoguant entre le groupe et l’individu, la solitude et la solidarité.
Les artistes de ce collectif se prennent donc en main, ils proposent d’inventer des spectacles, concerts, performances ou autres selon les lieux, les pensées, les envies, et également de participer à leurs mise en œuvre, de se confronter à la difficulté d’organiser, (ou d’anarchiser) des formes artistiques à l’heure où la création n’est plus une priorité.

Pour des artistes décideurs de leur destin
Pour des arts véhicules de la pensée critique
pour danser et s’enivrer de vie
vive le parti Collectif !

Slameur, chanteur, poète, Souleymane Diamanka est un passionné des mots. L’artiste franco-sénégalais à la voix chaude et grave prépare la sortie de son troisième album (après l’Hiver Peul en 2007, Être humain, autrement en 2016), Bain de lumière sera disponible dans le courant de l’année 2018. Originaire de Bordeaux, Souleymane Diamanka a découvert la poésie en écoutant son père conter l’histoire de ses aïeux peuls. On retrouve ces inspirations dans chacun de ses albums. Aujourd’hui, le slameur s’impose sur la scène internationale.

Souleymane Diamanka transmet son amour des rimes et son art de la parole. Il anime des ateliers et des Master Class pour apprendre à « écrire à voix haute ». Jeunes et adultes y apprennent à manier les mots et leurs sonorités poétiques et à écrire sur eux-mêmes, leur vécu et leur quotidien.

Souleymane propose un spectacle seul sur scène, un One Poet Show dont la bande-son est un voyage au cœur du métissage des transmissions, où il conte avec mélodie, rimes et beauté son histoire…celle d’un artiste initié à la poésie dès son enfance, devenu rappeur puis poète-slameur pour aujourd’hui transmettre son art avec justesse et sensibilité à travers le monde.

Mari Lanera, aka Mariele Baraziol, est née le 29 août 1981 à Trévise, en Italie.

Dès l’enfance elle est fascinée par le monde du théâtre où son père travaille comme électricien. Elle a accès, toute petite, à la scène, aux concerts classiques, aux spectacles et à l’Opéra, et en même temps elle se balade  dans les couloirs et dans les ateliers, où elle s’imprègne des couleurs, des formes, des odeurs et des lumières du théâtre. Le monde du spectacle devient le milieu dans lequel elle se projette. La musique devient une nécessité.Elle commence très jeune à étudier le violon, ensuite le piano et la guitare. Adolescente, elle découvre le fantastique monde du rock, de la pop, du grunge. Elle s’en remettra jamais. Premier groupe à la basse à 16 ans, elle enchaine projets et collaborations, d’abord en Italie, ensuite en France, où elle est installée à Bordeaux depuis 2004, ayant volontairement raté sa carrière rêvée de nez à Versailles.De la cold wave de LDLF à l’éléctro sorcière de PSCH PSHIT (Feint Records), du rock psyché de Zero Branco (Catulle&Ramon Records) à l’électro cumbia de Las Felindras, elle plonge dans le répertoire italien avec le concert dessiné L’Avventura, avec le guitariste Sol Hess et la dessinatrice Laureline Mattiussi.

Elle continue son voyage en Italie avec son nouveau projet solo TARANTA LANERA, tarantelle électro où elle s’inspire et s’imprègne des musiques traditionnelles du Sud Italie pour récréer une transe électro en fusion avec les sonorités hypnotiques des tabla indien. Entre ses concerts en France, Belgique et Suisse, elle présente son projet le 17 mai au Festival MétaMusique de la fondation Martel à Cognac et le 17 juin au Festival Chahuts à Bordeaux. La sortie de son premier EP avec TARANTA LANERA est prévu en octobre 2019 chez Vlad Productions. Pour écouter: tarantata.bandcamp.com

Elle retient un vif et doux souvenir de sa collaboration comme actrice dans les spectacle de théâtre « Les Mauviettes » de la Compagnie des Limbes et « Suite numéro 2 » de l’Encyclopédie de la Parole.Actuellement elle est danseuse/performeuse dans le spectacle jeune public « Pollen et Plancton » de et avec Anne Careil et la compagnie Andrea Cavale.

Elle est artiste associée de la Compagnie WOLF où elle est musicienne dans le spectacle « Cabane Eno » de et avec la chorégraphe et danseuse Sophie Dalès, en création à Les Bazis (Toulouse) en avril 2019 et au CDCN La Manufacture à Bordeaux en juillet 2019. Une autre résidence de création est prévue en novembre 2019 pour la musique du spectacle « La personne qui te harr » de et avec le metteur en scène et acteur Philippe Rousseau, en co-production musicale avec le guitariste Matt Bohers. Depuis un an elle mène un projet secret qui s’appelle Cador avec sa muse Albane D’Argence qu’elle adore. Bientôt un concert dans une cabane perchée sur un vieil arbre ou dans un submarin caché dans le port d’Arcachon. Elle a commencé récemment une collaboration musicale avec Jean Emmanuel Belot pour un concert de chevaux au galop, et aussi avec l’artiste Gonzalo Borondo pour une impro avec l’ancien orgue desaccordé du Temple des Chartrons le 19 et 21 juin 2019.En novembre 2017 elle a crée sa première performance pour un spectateur, Catch Cupidon, au  Festival Déprogrammation à la Manufacture Atlantique à Bordeaux. Cabinet d’hypnose aux cabinets des grands festivals, consultation personnalisé, moment d’intimité et de rêve avec LE spectateur sur son présent, passé et futur, elle propose à nouveau son projet au Festival Chahuts à Bordeaux cette année.

Porté par la Compagnie Khady Sarr, Xawaré est une ballade dans le Sénégal populaire traditionnel et spirituel qui met en scène 9 artistes tous nés au Sénégal, et aujourd’hui installés dans la région Bordelaise. Le mot woloff « Xawaare » signifie en français « Dialogue » qui est à l’origine et à la fin de tout échange entre les différentes créatures de l’univers. Sur scène les artistes font voyager le public au travers d’un riche répertoire de chants et musiques qui ont bercé leur enfance. De la plus fine note du « Tama » au son envoutant des Sabars de Doudou Ndiaye Rose en passant par les lampes mélodieuses du Bongo et la puissance des percussions Djembé venus des contrées mandingues, Xawaare captive son public du début à la fin.